发布时间：2023-10-11 17:47:32
绪论：一篇引人入胜的成考音乐教育，需要建立在充分的资料搜集和文献研究之上。搜杂志网为您汇编了三篇范文，供您参考和学习。
1． 铺垫是否越长越好？
2． 技能是否越少越好？
3． 游戏是否越多越好？
4． 课件是否越闹越好？
显然，答案应是否定的。下面笔者就这几个问题谈些浅见。
铺垫要精简，紧扣主题
古人云：“好的开头是成功的一半”。很多教师在铺垫环节大做文章，让学生费尽心机也猜不出老师葫芦里卖的什么药，硬是把“好的开头”演变成“长的开头”。记得有人说过，音乐课开始五分钟后如果没听到音乐，那叫窝心；十分钟后如果还没听到音乐，那就叫人伤心了。轻易不揭开庐山真面目，东一棒西一击的提问学生，这种做法既让自己陷入无病，又将学生的好奇心消磨殆尽。因此，铺垫阶段切记简练、适时。
铺垫的内容设计要围绕本节课的音乐主题展开。朴素的、直接的引导要比故弄玄虚有效得多。课堂从一开始就要紧紧扣住音乐主题，继而层层深入，这不仅为课堂节约了时间，更明确地指向音乐本体，还会使整节课因为有呼应而更加完整。
技能学习要讲究方法
许多教师把新课程理解成不谈技能技巧了，这是偏激和幼稚的。任何学科都有其本学科的特殊技能，音乐教育不管发展到什么阶段，是音乐课，就必定涉及到音乐领域的专业知识，学生就需要了解和掌握必要的音乐常识和技能，更何况这也是完善一个人的全面素养中必不可少的部分。这个原则先要认清，那么在此基础上，怎样有效地落实技能就得讲究方法了。
比如在歌唱教学中要求学生表现力度变化，教师先不提要求，只范唱（或播放）f和p的两种力度效果让学生聆听，他们就会经历辨别二者的不同――确信力度变化之美――喜欢这种美――模仿这种美――创造这种美的心理路程。学生受到美的感染以后，完全自发的、自主的、信服于结果的行为选择，比起教师苦口婆心地提要求、讲要领，自然会收到更好的效果。
在一堂音乐课中，总会多次出现讲解技能、解决技能的契机，聪明的教师如果抓得准，是能够达到事半功倍的效果的。比如在对学生的评价中少些盲目赞美，多些分析和纠正；在讲解新知识时少些灌输，多些回顾和比较；在音乐活动中少些喧闹，多些感悟和启发等等。有的放矢、因时制宜、点到为止等灵活多变的方法，使得技能不再以知识、技术的冷面孔出现，相信学生接受起来会更容易些。
此外，技能教学需要循序渐进，“一口吃不了一个胖子”，这是人人皆知的道理，音乐学科中的技能教学更是如此。技能训练讲究科学、贵在坚持。作为教师，要充分考虑到不同年龄段学生的差异，合理地安排技能学习。
游戏要有目的性和音乐性
捕捉孩子的特性，设计相应合理的游戏计划是音乐教师上好课的前提之一。其内容有二：一是游戏的可操作性。可操作性即指安全的、方便的、节约的、普及性的游戏，这也应该是音乐课堂中最为常用的游戏。比如让学生利用废旧物品自制伴奏乐器,设计动作为音乐伴舞等。二是游戏的等级性。等级性是指对不同年龄的孩子提不同的要求，设计不同的游戏。初级阶段（小学）以集体行动为主，以统一、和谐为主要审美评判标准；中级阶段（初中）以集体与个人行动相结合，给学生一定的挑战和空间，此阶段的审美评判标准应以合作、情感体验的深度来衡量；高级阶段（高中）就是为学生提供一个展现自我的舞台，以独创性、独到性见长，以个性的张扬、情感体验的释放为审美标准。
音乐课堂中的游戏是对音乐的再认识、再拓展和再创造。无论设计的出发点出自哪种，它的根茎应当牢牢扎根在音乐的沃土。在游戏中注重音乐性，在感受音乐美的同时表现音乐的快乐。因而，此时的教师要理性地充当一名纠察员，勤于对不正确的声音或节拍予以纠正，善于对松散混乱的场面予以控制调整，只有这样，音乐课堂中的游戏才有别于体育课中的操练、手工课中的实践，游戏才能闹而不乱、多而不散。
音乐游戏不是单纯的玩耍，它的真正目的是以游戏的方法挖掘并且发展学生的潜能，使学生在游戏中获得丰富的精神享受。站在这样一个思想的高度，让不敢唱的孩子唱起来，让不敢跳的孩子动起来，让不敢说的孩子表达出来，游戏中的孩子会依照自己独特的方式，在集体的大乐园中尽情发挥、创造。也许被演绎出来的音乐是千姿百态、互不相同的，那没关系，因为游戏本身就是一个无垠的空间，它接纳每一种色彩，肯定每一份答案，孩子们感受到喜悦、成功、自豪才是最最重要的！
课件运用要合理，提高品位
现代教育技术的广泛使用是无可厚非的，但怎样客观地认识它、扬长避短地使用它是一个值得思考的问题。先要树立课件为课堂服务的观点。课件只是教学的辅助手段之一，不能替代教学，更不能喧宾夺主。其次，要明确课件是为课堂提供方便而存在的，比如快捷、占用空间小、可重复使用等即是它的优点。但我们也要客观地认识到它的弊端：制作课件费时费力、屏幕限制了学生的想像力、不可更改性等。因此，盲目夸大课件的作用，抱惟有课件的课才是贯彻新课标的认识是片面的。
高等师范音乐教育专业是培养中小学音乐教师的摇篮。高等师范音乐教育与基础教育有着最直接的联系,直接关系到输送的人才是否符合中小学音乐教育机构对师资的各种要求:是否符合社会日新月异的变化发展的要求;是否符合人的发展的要求;是否适应学校办学发展的要求。概括地说,高等师范音乐教育专业课程设置要适应中小学音乐教育改革的发展需要及发展趋势,有利于多出人才,满足社会的需要。我校也一直在这方面做着努力与各种尝试,通才专业的设立(现改名为艺术教育专业)就是为了适应时代的发展和社会的需要而进行的一次创新,课程较之以往更加丰富、更加全面。
我国高师音乐教育经历了漫长而曲折的道路。党的以后,我国再次强调美育在全面发展的教育中不可替代的功能,将音乐教育视作落实美育的重要手段,前不久教育部提出的“京剧进课堂”,再次把对音乐教育的重视达到了从未有过的程度。纵览国内的高等师范学校音乐教育课程,大致有以下三类科目组成:公共理论科目:其中包括哲学、政治经济学、思想道德、心理学、教育学、外语、计算机、体育等。音乐专业科目:其中包括乐理、视唱练耳、和声、复调、声乐、钢琴、即兴伴奏、合唱指挥、民族民间音乐、欧洲音乐、艺术概论、音乐教学法等。学校的公共选修课与系里的专业选修课。通过这类课程的学习进一步拓展了学生的文化和专业的知识面。
一、我国与美国和德国的音乐教育的比较分析
美国的高等院校中,不少都设有音乐教育专业,加上音乐学院内音乐教育专业的培养,从事音乐教育的师范生逐年增加。为了保证毕业生的质量,学校对未来音乐教师的教育能力与知识结构要求颇高。一般包括以下几个层面:较广博的社会科学、自然科学、行为科学的知识;语言和文字表达能力;某方面的音乐专业特长;基本的音乐技能和理论知识;普通教育理论和方法;音乐教育理论和方法;课程的安排分两部分。第一部分是音乐教育实践方法类课程:课堂吉他、小学音乐教学、器乐教学法、中学普通音乐和合唱教学法、音乐教育的组织和督导、弦乐教学讲座、中小学合唱教学法。第二部分是音乐教育专业以外的其他专业课程(表演、理论作曲等)。这部分有100多门科目供选择。
再看德国。“德国的音乐师范教育没有全国统一的体制,各州甚至各校间都各不相同。小学音乐师资一般学习三年,中学音乐师资一般学习三至四年,高中音乐师资则学习四年。在完成了学院规定的课程后,必须参加一次国家考试,获取合格证书。然后到中小学进行两年的实习,实习合格者方能取得教师资格证,到中小学中去担任音乐教育工作。[1]”
德国音乐师资培养的教学目标和教学内容基本包括三个方面:艺术实践、专业科学理论、专业教学法。艺术实践以器乐和声乐为主,合唱指挥和乐队也是必修课。专业理论的学习,包括音乐学、教育学,音乐教育和教学法理论。教学法方面的学习内容,包括培养学生创作(创作式的和即兴式的发现音乐)、再创作(演唱和演奏发现的音乐)、接受(听音乐)、移动或改变音乐(将音乐与词文、图画、身体运动、情景表演结合)、反思(对音乐进行思考、讨论)为中心的教学能力。对音乐师范的学生具体要求是应将音乐理论、课堂实践和学生的音乐经验联系起来研究,努力发展自己的教育能力;帮助学生自由发挥塑美能力,提高他们的感受力,发展他们的表达力。师范生应朝着“教师是教育者、教学者、分析判断者、顾问、革新者”的方向发展。
与国外的高师音乐教育所开设的课程相比,我国高师音乐教育的课程涉及面相对比较狭窄,缺乏自然科学与人文科学的广度,这直接影响了我国高师音乐专业学生的全面发展,影响了他们综合素质的提高。此外,我国高师音乐教育中,缺少音乐心理学、音乐教育管理方面的基础性课程,这是学生的知识结构有所欠缺,直接影响了他们教育能力的形成与提高。
二、高师音乐教育专业课程的设置应遵循的原则
1科学性
所谓科学性,就是指课程的设置应当遵循音乐教育的自身规律。音乐教育是以音乐为内容的一种教育实践活动。它是人类自身发展的产物,也是一种社会文化现象。作为培养人的社会实践活动,音乐教育和其它学科教育又有许多共同的属性。它们都是以人为培养对象,都是以儿童和青少年为教育重点,都有一定的上层建筑属性,都是一定社会的政治、经济的反映。
2.人文性
音乐教育是普及音乐文化的教育,人文性是音乐课程的重要基础。音乐艺术是人类所拥有的文化产物,是精神文明的结晶,,是文明发展史的艺术见证,是世界各国、各民族人民相互了解、相互欣赏直至相互接纳的桥梁。音乐教育的过程就是让学生通过感受、理解、表现、创造音乐,传承我国优秀的民族文化,激发爱国主义情怀的过程,是开拓文化视野、接受多元化文化、孕育国际文化意识的过程。
3.创造性
音乐教育又是发展创造才能的教育,创造性是音乐课程的根本特征。音乐是最具创造性的艺术门类之一,从作品的产生、表演到欣赏,音乐创造贯穿始终。“而音乐教育则能使学生通过对不同的音乐体验和行为展示,凸显音乐的创造性特征。在即兴创作与有目的的创作过程中,丰富学生的音乐思维,激发学生的创新欲望,并在发展学生音乐创造才能的同时,开发学生音乐智能为核心的多元智能” [2]。学生参与在各种音乐的实践活动中,潜能得以挖掘,个性得以张扬,主体性得以充分体现。
4.双重性
高师音乐教育是培养音乐和教育双重专业人才的培育体系,要求能够培养出既有音乐专业技能,又有音乐教育能力的人才。因此在课程设置中,必须体现高师音乐专业的这一特点,一方面培养学生娴熟的专业技能,另一方面,培养学生音乐教育的能力。从我国高师音乐教育的现状来看,课程的设置,必须突出教育目标,合理安排双重专业在教学内容、教学时间上的比例,适当增加音乐教育管理方面的基础性课程,掌握音乐教育的方法,熟悉青少年心理与发展等,总之,应具有较强的音乐教育的实践能力。
5.发展性
随着社会的发展和时代的进步,音乐和音乐教育也在不断发展。高师音乐教育也应当与时代同步发展,其课程设置也应当具有一定的发展性、先进性。目前,我国中小学的艺术教育已经进入了一个新的阶段,一个“大艺术教育”的理念和体系正在形成。将音乐教育与戏剧教育、舞蹈教育、美术教育、电影教育、文学教育结合起来,已经成为学校音乐教育的发展趋势。而且,随着计算机和数码技术的发展,高科技的应用也已逐步地进入课堂。这对音乐教师提出了越来越高的要求,因此,高师的音乐教育要顺应时代的发展,培养学生多方面音乐素质,在课程设置方面作出调整,不断开拓课程的内容,使学生能够适应当前和未来教育的需要。
总之,随着社会不断的发展进步,教育的发展与变革已成为世界各国应对日趋激烈的国际竞争的重要战略,高师音乐教育也必将有一个广阔的发展前景。可以确信,随着我国综合国力的不断增强,人民素质的不断提高,音乐教育将在整个国民教育中发挥更大的作用,并且将步入世界音乐教育的先进行列。
参考文献
[1]姚思远.中国当代学校音乐教育研究文集.沈阳:辽海出版社,1999.
面对来自不同专业、拥有不同音乐基础的各类大学生如何有效的开展多元文化音乐教育？笔者认为，最简易之法是“从文化角度出发”。我们把要求学生了解和接触的不同民族的文化放在“金字塔”的最底端，之后引导学生接触不同民俗文化、宗教文化、仪式文化等的，最后阐释位于“金字塔”顶端的音乐文化。要求学生了解音乐的概念与行为、音乐与社会文化的关系、音乐文化的社会变迁等等，而不介入音乐本体分析研究，这将成为公选课与音乐学院专业课的主要区别。在这里，音乐可以与建筑、雕塑、宗教、地理、历史等多学科产生交叉，这些来自不同专业的大学生恰好可以互为沟通，每次课堂探讨都可总结、综述，弥补音乐专业学生的专业口径狭窄，过分追求专业知识、重技术轻视综合素质教育等教育现状，也能够逐渐改变高师院校其他专业大学生对音乐专业即是唱歌、跳舞、弹琴的狭隘偏见。多元文化音乐公选课的教育理念重在赏析、介绍及课堂讨论。音乐只是课堂讲解中的一部分，讲解不同文化区、不同语言、不同的音乐时，来自不同教育专业的学生可以共享其知识结构，共同探讨各民族历史背景、音乐现象、音乐流变及变迁、音乐文化传承及保护等信息。这种课堂，不似传统课堂，教师一味“独角戏”的课堂演说，上课地点可以在草坪、舞蹈厅等便于大家交流、模仿的地方。以环球音乐采风的模式带领学生每周领略某一区域音乐文化，相信将是学生喜爱的一门交叉文化式选修课程。
二、多元音乐文化理念与其他课程的渗入
在高师院校的音乐专业课中，外国民族音乐应开设在中国民族音乐之前，只有在全面了解世界各民族音乐特点的基础上，把中国音乐放在世界音乐发展的历史长河之中，在与各民族音乐的对照之中，才能真正明确中国音乐在世界音乐中的特点和位置。另外，中外民族音乐会有文化交叉，例如：蒙古国主要民族歌唱方式有长调、短调、浩林呼麦，主要特色乐器是马头琴，而这些在中国蒙古族音乐中也会涉及，学生可做课堂探讨“中外蒙古族音乐之联系与区别”。
多元音乐文化对不同专业学生的潜移默化影响。例如：民族音乐素材，一直是作曲家创作灵感来源之一，而如何把音乐要素合并起来并引起听众的共鸣，必须具备熟悉各文化音调作品的能力，包括乐器的制作形制、工艺等等。作曲理论专业学生需具备一对赏析各民族音乐的耳朵，需了解世界各民族音乐文化，否则只会把这些音乐视为“异族现象”，无法接纳更无从融入。视唱练耳是一门技术性理论课程。亨利?雷蒙恩、古斯塔夫•卡卢利编写的法国视唱教材至今仍旧被许多音乐院校沿用，这套教材共有十册，其中包括单声部、双声部、三声部甚至四声部的各类视唱作品，很多作品都源自外国民歌，大多来自乌克兰、爱尔兰、英国、法国等欧洲国家，因十二平均律的律制局限，无法采录七平均律或五平均律的民谣音乐，更不可能将微分音程引入传统视唱教材体系。如何在视唱练耳教学中引入多元文化观念？下文以非洲音乐文化为例：教师在节奏训练环节，可采用非洲复节奏思维模式教授。传统节奏训练多为同节拍体系节奏模仿或记忆，而非洲复节奏思维中，大量存在不同节拍，不同节奏性，不同长短的节奏性组合，这种节奏训练的融入，将大大拓宽学生对传统节奏模打、记录的死板模式，也要求教师提升自身音乐修为。另，黑人灵歌、福音歌、传统布鲁斯歌唱也可引入视唱课堂，在授课过程中，教师可采用黑人二元性音乐表演特征。例如：演唱黑人灵歌的同时手打节奏，而节奏与演唱可能是不同的节拍或长短不一。二战后的黑人民歌，融入了很多欧洲音乐特征，出现很多双声部、多声部的演唱，这些民歌或可引入视唱课堂，让学生在多声部的演唱基础上，尝试加入非洲鼓复节奏（此类复节奏可为单拍子的“卡农式”模仿，亦可为单拍子、复拍子的纵向叠加），二人或底盘人合作产生愉悦、活泼的课堂场景。笔者已经开始此类尝试，收效不错。传统音乐不会一成不变，音乐文化伴随时代而“成长”，传统音乐与流行音乐的交接是每一历史时期的客观现状，音乐审美必然随之转变。不同区域、不同时代的音乐审美总能抽象化、形式化的代表该地区，该时期的音乐集中表象，因此无论历史、当代或是未来，都应构建多元文化的音乐审美观。高校音乐美学课程必须时代化、多元化，在抢救已经“死去”的原生态音乐审美同时，须包容现代音乐审美的冲击，同时应关注全球各种文化的音乐审美，尤其是原生态音乐，打破“西方美学思想”的模式化。
三、教师培训和教学中多元文化音乐教育涵义的关注
